El fundador fue Theo Van Doesburg que aglutinó a un grupo de artistas en torno a la revista De Stijl (El Estilo), publicada entre 1917 y 1926.
Theo Van Doesburg, Composición VII
Características
Rechazo de la realidad. Propugna la abstracción y la simplificación: línea recta, volúmenes simples y colores planos.
Reducción de las formas a líneas y ángulos rectos. Utilización de los colores primarios (rojo, amarillo y azul) y del gris, el negro y el blanco.
Desaparición de lo ornamental y lo decorativo.
Aplicación de las matemáticas y de las innovaciones técnicas.
Radicalismo. Buscan un arte puro, despojado de lo particular y de lo histórico.
Construcción de un arte nuevo y colectivo, no individualista ni nacionalista. Realizan viajes por Europa, difundiendo sus principios estéticos y buscando colaboradores.
Importancia de la teoría: relación entre los trabajos artísticos y los escritos de sus componentes. Sus ideas se expresan mediante manifiestos.El primero de ellos se redactó en 1918.
Defensa de la integración de las artes: pintura, escultura, arquitectura, etc.
Piet Mondrian (1872-1944)
Destaca por sus fundamentos teóricos: Mondrian considera que la función de la pintura debe ser la búsqueda de una abstracción geométrica que corresponda con las leyes generales del universo
Tuvo una primera etapa figurativa que duró hasta 1905, aproximadamente.Después mantuvo contactos con el cubismo hacia 1912 que le sumergen en las vanguardias y en la búsqueda de soluciones basadas en la lógica.
Mondrian conoce al fundador del Neoplasticismo, Doesburg, a mediados de la década de 1910. Su estilo dentro del Neoplasticismo se basa en:
las composiciones de superficies de color sobre fondo blanco,
la utilización de estructuras geométricas con lineas rectas
la eliminación de las diferencias entre figura y fondo.
el uso de los colores primarios
Sus lienzos son, básicamente,variantes de rectángulos y de cuadrados de distinto tamaño.
Abandonó De Stijl en 1925 cuando Doesburg buscó variaciones formales utilizando rectángulos inclinados. Desde entonces, prosiguió con su reconocible estilo, aunque con ciertas variaciones:
En los años 30 utiliza el rojo, el blanco y el amarillo y las líneas gruesas,
En los años 40 viaja a Nueva York dónde experimenta con planos sobrepuestos, colores intensos y el uso de cuadrados pequeños.
Piet Mondrian, Composición II en Rojo, Azul y Amarillo, 1930
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es, probablemente, la tendencia más importante dentro de las vanguardias europeas del siglo XX al ser la que consigue romper definitivamente con la pintura tradicional.
El cubismo es la versión en el ámbito de las artes plásticas de la revolución científica que llevó a cabo Albert Einstein con su Teoría de la Relatividad y que rompió con las concepciones tradicionales sobre el tiempo y el espacio.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles (el mismo que había bautizado a los fauvistas) al decir, despectivamente, que las pinturas de Braque eran una especie de «pequeños cubos».
Bracque, Casas en L´Estaque, 1908
Características
Racionalismo y Geometrismo: Reducción de los objetos a formas geométricas básicas.
Eliminación de la perspectiva tal como se había considerado desde el Renacimiento. Los objetos son descompuestos en diferentes fragmentos por lo que el cuadro consiste en la representación de todas las partes de un objeto en un mismo plano, reproducidos desde distintos ángulos y puntos de vista (de frente, de lado, desde el interior. etc.) en una visión simultánea, la llamada «perspectiva múltiple». Un cuadro cubista es una amalgama de superficies interpuestas, ángulos y líneas verticales y horizontales en el que el fondo ha desaparecio y se ha fusionado con las formas representadas.
Representación de la cuarta dimensión: el movimiento. Tras descomponer el objeto que es representado en el cuadro, los pintores no sólo muestran los distintos fragmentos desde diversos puntos de vista, sino que, además, estos son representados en distintos tiempos, por lo que aparece insinuado el movimiento. Otra forma de sugerirlo sería mediante la plasmación de las líneas cinéticas.
Simplificación del color: se eliminan los colores vivos utilizados por los fauvistas y los impresionistas y se reduce la paleta a tonos castaños, grises y pardos . Este monocromatismo es propio, sobre todo, de los inicios del cubismo.
Eliminación de lo considerado superfluo en la pintura: el claroscuro, la profundidad, los detalles, etc. La apariencia externa de las cosas no importa.
Incorporación de nuevas técnicas como el collage y el ensamblaje.
Los géneros frecuentados son tradicionales, a pesar de ser una pintura de vanguardia: bodegones, paisajes, retratos....
Intelectualismo: Las obras cubistas resultan de difícil comprensión al carecer de un referente naturalista inmediato. No están concebidas para ser interpretadas mediante los sentidos, sino mediante la razón ( Braque decía que "los sentidos deforman, el espíritu forma") Esta alusión al intelecto como instrumento de comprensión de la obra de arte explica la importancia de la teoría en el movimiento cubista y la necesidad de contar con un manifiesto que recogiera sus principios básicos. El cubismo, además, ignora las emociones o los sentimientos.
La principal consecuencia de la irrupción del cubismo fue la ruptura de la tradición pictórica occidental heredada del Renacimiento. Con el cubismo se produjo la desaparición del naturalismo que, más o menos, había definido a las artes plásticas desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, incluyendo al expresionismo. Los cuadros se independizan de la realidad y, por tanto, el arte también lo hace. El cubismo genera, además, una nueva relación entre el espectador y la obra de arte ya que ahora éste debe participar activamente en su comprensión, esforzándose para entender la obra.
Influencias: Destaca la de Cézanne que fue el primero en reducir a la naturaleza en formas geométricas básicas: cubos, cilindros y prismas. El divisionismo de Seurat, caracterizado por la aplicación de pequeñas pinceladas de colores puros, también influyó en los cubistas. También habría que señalar el gusto por el arte primitivo, especialmente, por el africano que había fascinado a Matisse.
Periodización
Inicios
En 1907, un año después de la muerte de Cézanne, se realizó una gran retrospectiva de su obra en el Salón de Otoño de París. A esa exposición acudieron Picasso y Bracque que reconocieron a Cézanne fue el padre de todos ellos y formularon los principios del nuevo lenguaje: el cubismo.
Fue, precisamente, en 1907 cuando Picasso pinta Las señoritas de Aviñón, considerado como el cuadro manifiesto del cubismo.
En 1908, Braque pinta una serie de paisajes, Casas en l’Estaque, inspirados en Cezanne.
Picasso, Las Señoritas de Avignon, 1907
Cubismo Analítico. 1909-1912
En esta primera fase es cuando se gesta la descomposición de la forma que caracteriza al cubismo, para dar lugar a una composición en la que se representan varios fragmentos del objeto, pretendiendo conseguir una perspectiva múltiple del mismo y eliminando la profundidad. La paleta de colores muy reducida.
Cubismo Sintético. 1912-1914
Se caracteriza por la reducción de la formas a lo esencial, la ampliación en la gama de colores y la aparición de una técnica nueva: el collage. Los primeros collages cubistas estaban hechos de recortes de periódicos y revistas, etiquetas de botellas o de paquetes de cigarrillos, partituras musicales, etc.. Más tarde, se añaden trozos de materiales como madera o tela y trozos de objetos (ensamblaje escultórico)
Principales Representantes
Al margen de Picasso, habría que mencionar a:
George Braque (1882-1963) es el gran difusor del cubismo junto a Picasso. Sus paisajes pintados en 1907 en L'Estaque, inspirados en Cézanne, originaron la denominación del movimiento como cubismo. Impulsó, también, las distintas etapas (cubismo analítio y sintético) del movimiento.
Juan Gris (1887- 1927), pintor madrileño. afincado en París, desarrolla la utilización del collage en 1913. No evolucionó como Picasso hacia la pintura figurativa cultivando el cubismo hasta su muerte,
Otros autores cubistas son los franceses Delaunay (creador del llamado Cubismo Órfico), y Leger.
Playlist compuesta por un mínimo de siete piezas musicales de los siglos XVII y XVIII. En clase ya hicimos una escucha durante la semana anterior a las vacaciones de Semana Santa y os comenté los requisitos que quería que cumplierais. La playlist debe contener al menos:
Una obra de carácter profano y otra de carácter religioso
Un aria y una pieza instrumental (una sonata, por ejemplo)
Una obra del siglo XVII y otra del siglo XVIII
Preferentemente, la publicareis en Spotify. Recordad que es una actividad obligatoria.
2ª Individual o en grupo
Debéis escoger entre los temas que os propongo y realizar un trabajo que verse sobre las relaciones entre obras artísticas de diversos periodos históricos. Por supuesto, podéis proponer otro tema siempre que cumpla con esa condición.
Los temas son los siguientes:
Las fuentes de la Semana Santa. Se trata de establecer cuales son los tipos iconográficos más repetidos en la Semana Santa actual y, seguidamente, localizar en la imaginería barroca española del siglo XVII a los modelos en los que se basan.
El desnudo femenino. En la línea del vídeo que vimos en clase, el trabajo consistiría en analizar la evolución del desnudo femenino en la pintura europea desde una perspectiva crítica.
El Museo temático. Consiste en elegir un tema o género (la mitología, por ejemplo) y seleccionar obras pertenecientes a épocas distintas, comentando su evolución.
Arte feminista. Al igual que en el anterior, consiste en seleccionar obras de épocas distintas . En esta ocasión, sus autoras deben ser mujeres y su contenido feminista.
Magical Mystery Tour es el título de una de las películas de los Beatles, una película excéntrica, loca y divertida como la propia música pop, así que podría valer perfectamente como lema de un trabajo que resuma la evolución de la música pop.
Como sabéis, el trabajo consiste en elaborar el guión de un programa de radio (y grabarlo si es posible) en el que, de una manera ágil y amena, resumamos la trayectoria de la música pop desde que los Beatles desembarcaron en Estados Unidos hasta la irrupción de Nirvana.
Simplificando mucho, estas podrían ser las etapas:
Años 60
1ª. La "Invasión británica". La prensa musical denominó así al éxito que tuvieron los grupos británicos en Estados Unidos a partir de 1964. Los Beatles fueron los abanderados del fenómeno, aunque hay que añadir a bandas como los Rolling Stones, Kinks, Who, Animals, Hollies, Yarbirds, Gerry and the Peacemeakers, etc.
The Beatles - I Want To Hold Your Hand - Performed Live On The Ed Sullivan Show 2/9/64
2ª. El Soul promovido por sellos legendarios como la Motown o Stax fue la alternativa norteamericana al dominio comercial británico. El ramillete de nombres es escalofriante: Sam Cooke, The Supremes, Ottis Redding, Aretha Franklin, Etta James, James Brown..
The Supremes - Baby Love
3ª El Folk era una corriente minoritaria pero muy prestigiosa entre la izquierda norteamericana que rendía culto a figuras como Pete Seeger. El folk se cruzó con la música pop cuando un joven llamado Bob Dylan utilizó una guitarra eléctrica en el festival folk de Newport en 1965. A partir de aquí, la música pop maduró vertiginosamente. La estela de Dylan fue seguida por grandes como Simon & Garfunkel o Leonard Cohen.
La historia completa de la actuación en Dylan y de la polémica que generó podéis encontrarla aqui
Bob Dylan - Maggie´s Farm- Live at the Newport Folk Festival
4ª Los años comprendidos entre 1966 y 1969 suponen el momento más brillante de la historia del pop. Esto fue posible gracias a la combinación de experimentaciones sonoras (utilización de nuevos instrumentos, experimentación con las mezclas en el estudio, introducción de motivos orquestales, etc..) con letras y mensajes que conectaban con los movimientos sociales y la contracultura de la época (son los años de los hippies; el verano de 1968 fue el "verano del amor"). El surgimiento de la psicodelia a uno y otro lado del Océano Atlántico, la irrupción del blues blanco. la publicación de álbumes conceptuales por parte de las mismas bandas que habían protagonizado la Invasión británica, el esplendor del Sunshine Pop en California, la proliferación de festivales como Woodstock...Es prácticamente imposible resumir la vorágine de estos años.
Mencionemos a los Beach Boys, Jimmi Hendrix, Love, The Byrds, Crosby, Stills, Nash & Young, Janis Joplin, Cream, Jefferson Airplane, Pink Floyd, etc.
Discos maravillosos hay muchos. Pongamos como ejemplo el Pet Sounds de Beach Boys y el Sgt. Peppper´s de los Beatles.
The Beach Boys - Wouldn't It Be Nice
The Beatles - A Day In The Life
Años 70
5ª El Glam-Rock, el Hard-Rock o el Rock Sinfónico son las corrientes setenteras que prosiguen la línea que marcó la psicodelia en los 70. Son estilos diferentes aunque tienen elementos en común , entre ellos ser estilos, en su mayoría, liderados por superbandas británicas, la importancia de la escenografía, la barroquización, etc..
Destaquemos a David Bowie,T-Rex, Roxy Music dentro del Glam (género que contó con la influencia de la importantísima banda norteamericana Velvet Underground), a Led Zeppelin, Deep Purple o Black Sabbath en el Hard Rock y a Pink Floyd, Genesis, King Crimson o Alan Parsons Project como formaciones más importantes del rock sinfónico.
Led Zeppelin- Inmigrant Song
David Bowie- Life On Mars
Pink Floyd - Another Brick In The Wall, Part Two
6ª En Estados Unidos, la influencia de la música folk permanece intacta a través de un género mestizo que, a falta de un nombre mejor, se denominó Americana, Esta etiqueta engloba a una amalgama que funde estilos de la música popular norteamericana como el Rock, el Country, el Blues, el Folk, o el Swamp-Rock que practicaban bandas como la Clearwater Revival Band. El propio Bob Dylan, The Band, Neil Young (en algunos de sus discos) o los Allman Brothers Band son nombres reconocibles del género.
Sé que era imperdonable no incluir a Eric Clapton, así que incluyo este fragmento del concierto de despedida del grupo que acompañó durante años a Dylan, The Band, filmado por Martin Scorsese en el que es considerado el mejor documental de la historia del Rock, "The Last Waltz". Espero, Elena, que te guste:
Eric Clapton & The Band - Further Up On The Road
7ª Dentro del ámbito de la Black Music, se produjo una evolución en dos sentidos: el primero desembocó en el nacimiento del Funk y el segundo en la popularización de la Música Disco a partir del éxito de estilos como el Sonido Filadelfia. La riqueza de la música soul de los 70 se explica por la madurez creativa de algunos de los artistas procedentes de la Motown o de Stax como James Brown, Marvin Gaye, Curtis Mayfield o Stevie Wonder.
Grandes nombres de la música negra de los 70 son Isaac Hayes, Diana Ross (antigua integrante de las Supremes), Funkadelic, Donna Summer, Bobby Womack..
Marvin Gaye - What's Going On ( Live 1972)
8ª. La última gran oleada de los años 70 también tiene su epicentro en las islas británicas y consiste en un retorno a la simplicidad, la furia y la rebeldía como estética. El Punk devolvió el protagonismo a la formación clásica de guitarra, bajo y batería y las canciones de tres minutos.Los Sex Pistols, los Clash y The Jam, en sus inicios, son las bandas más importantes del terremoto punk. El movimiento tuvo su contrapartida en Estados Unidos (recordemos a los Ramones), país en el que nunca habían dejado de existir este tipo de bandas de imagen provocativa y música ruidosa. El garage-rock y el underground norteamericano nos dejaron bandas proto-punk como MC5, The Stooges o los New York Dolls.
The Clash- London Calling
The New York Dolls - Personality Crisis
Años 80
9ª. Tras la decadencia del Punk, el Reino Unido vivió entre finales de los años 70 y principios de los 80 la eclosión de multitud de nuevas bandas que practicaban un pop con pretensiones artísticas que se apartaba voluntariamente de las gustos del gran público, aunque muchas de ellas gozaran del éxito comercial. Durante los años 80 cristalizó esta división entre música comercial y música independiente (el fenómeno conocido como indie-pop o indie-rock) Estas bandas, al inicio de la década, fueron englobadas bajo etiquetas tan generalistas como el Post-Punk o la New Wave que no definen estilos con identidad propia. Después del éxito de la New Wave, fueron apareciendo sonidos tan dispares como el Indie-Pop, el Shoegazing, el Noise-Pop, el Tecno-Pop, etc. Es difícil seleccionar entre tanta banda, pero podemos señalar a Joy Division como la banda que cerró el Punk y abrió la ventana, a The Smiths y a The Cure como los grupos más destacados de la mitad de la década, a New Order, Depeche Mode y Pet Shop Boys como avanzadilla del sonido tecno, a Jesus & The Mary Chain como cercanos al Noise, a los Stone Roses como ejemplos del sonido Madchester que cerró la década, a los Go-Betweens como ejemplo del Indie-Pop de la época.....
Joy Division - Love Will Tear Us Apart
10ª En Estados Unidos, el rock alternativo o independiente tuvo como máximo exponente a las bandas noise como los Pixies o Sonic Youth que fueron precedentes del enorme éxito del Grunge al llegar los 90. En el ámbito indie destacaron bandas como los R.E.M. y hay que recordar a grupos como los Talking Heads, versión norteamericana del éxito de la New Wave.
Pixies, Here Comes Your Man
11ª. En el ámbito de la música comercial, los años 80 fueron los años de la MTV, el video-clip y los macroconciertos. El pop y sus variantes continuaban siendo la fuente de ingresos principal de las grandes multinacionales de discos. Entre los grandes superventas de la época hay que recordar a Michael Jackson, Prince y Madonna, a veteranos del soft-rock como Elton John, a bandas que surgieron durante la New Wave pero que se inclinaron hacia sonidos más comerciales como Police, Simple Minds o U2 años después, etc.
Michael Jackson, Billy Jean
12ª. Por último, es menester dedicar un tiempo a la denominada época dorada de la música pop española. La Movida Madrileña fue, más que una movida musical, un momento de la historia cultural de este país que pasará a la historia, sobre todo, por su banda sonora. Ha acabado siendo un término que funciona como sinónimo del pop español cuando, en realidad, muy pocos de los grupos con trayectoria más exitosa procedían de ella y los que si pertenecieron al movimento apenas vendieron discos (los Zombies o Kaka de Luxe son ejemplos de ello). Además, algunas de las formaciones más interesantes ni siquiera eran de la capital (Siniestro Total, por ejemplo, eran de Vigo). Dentro de la movida tampoco se puede englobar a todas las bandas españolas importantes: las rockeras como Leño o Barón Rojo, los grupos del rock radical vasco como La Polla Records o Kortatu, la escena del rock-flamenco andaluz inspirados en Triana, etc. no tuvieron contacto con la movida y, en algunos casos, fueron anteriores a ésta. En cualquier caso, fue una revolución en más de un sentido y merece la pena recordar a las grandes formaciones ochenteras españolas como Radio Futura, Nacha Pop, Los Secretos, Loquillo y los Trogloditas, Gabinete Caligari, La Mode, Esclarecidos, Los Burros (antecedentes del Último de la Fila) ....
Para la pintura, son validas las características que ya vimos para la escultura. Habría que añadir:
Destaca la pintura mural al fresco en los muros de las Iglesias. En los ábsides, centro del templo, se representa, fundamentalmente, a Cristo en Majestad, dejándose las naves laterales para escenas bíblicas, retratos de apóstoles, vidas de santos, etc. También se utiliza la pintura sobre tabla.
El uso del color es muy destacable. Como en la pintura bizantina, al no existir perspectiva, los fondos suelen componerse de bandas monocromáticas. Los personajes se perfilan con líneas gruesas, generalmente de color oscuro. El uso de colores intensos es lo habitual para representar los volúmenes de los personajes, objetos, etc.
Gótico
El arte gótico se define por la recuperación que logró de la pintura como un arte autónomo.
La evolución de la pintura gótica es la siguiente:
1º.
Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal: siglo XIII y primera mitad
del XIV
2º.
Estilo Italo-Gótico o Primitivos Italianos: desde finales del
siglo XIII a mediados del XIV, fecha en que se difunde en el resto
de Europa.
También
denominado Trecento.
Destaca
la Escuela de Florencia: Cimabue y Giotto
di
Bandone
Escuela
de Siena: Simone Martini
Protagonismo
de las pinturas murales al fresco.
Riqueza
cromática, colores intensos (azul, rojo, amarillo, etc.)poco
naturales y adaptados a la psicología de los personajes.
Disminuye el uso de los fondos dorados.
Rasgos
de Naturalismo:
-representación
del espacio tridimensional mediante el sombreado e interés por la
búsqueda de la profundidad.
-representación
de paisajes reales.
-expresión
del sentimiento, representación de gestos individualizados que
transmiten psicología personajes.
3º.
Gótico Internacional: segunda mitad del siglo XIV y primera del
XV
4º.Escuela
de los Primitivos Flamencos: En la segunda mitad del siglo XV y
hasta principios del XVI una serie de factores contribuyeron a
producir un prodigioso florecimiento artístico en las ciudades de
Flandes.
Una
primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos
Jan y Humberto Van Eyck yRoger Van Der Weyden. En una
segunda generación de pintores flamencos, que se extiende hasta
principios del siglo XVI, destaca El Bosco.
La
influencia de la pintura flamenca se extiende por Europa. En
España, por ejemplo, la pintura de estos años se va a denominar
estilo hispano-flamenco. Destacan los catalanes Luis Dalmau y
Jaume Huguet; en Castilla sobresalen Bartolomé Bermejo y Fernando
Gallego.
Características
Esta
escuela sobresale por sus avances en la consecución de la
reproducción de la naturaleza que será el principal objetivo de
la pintura europea hasta el siglo XIX.
El
detallismo: el extraordinario cuidado del detalle se muestra en la
recreación de los objetos de la vida cotidiana como en la
fisonomía y vestimentas de los personajes. La aplicación de la perspectiva
El
gusto por el paisaje: los pintores flamencos son creadores de
amplios y luminosos paisajes, así como los primeros en
representar interiores llenos de intimidad.
A
pesar del naturalismo, está impregnada de elementos simbólicos
de origen medieval. Esto es muy evidente en El Bosco.
La
pintura flamenca fue favorecida por la burguesía ciudadana que se
convierte en cliente y promotora de las obras artísticas. Esto se
percibe en los temas ya que introducen escenas de la vida
cotidiana en los temas religiosos. Los clientes de las obras
aparecen retratados junto a Cristo, la Virgen o los santos. Estas
imágenes de los donantes permitió un desarrollo del retrato que
acabó convirtiendose en un género independiente.
La
principal innovación técnica de esta época es la utilización
del aceite como aglutinante de los colores, que supone la
aparición del óleo, que permite aplicar veladuras. La
técnica de las veladuras posibilitó la corrección y graduación
de líneas, color, brillo, etc. Sus obras son,
principalmente, pinturas al óleo sobre tabla y obtenidas mediante
la minuciosa superposición de capas de color transparentes y
luminosas. Las veladuras permiten, además, un tratamiento más
real de la luz en los cuadros y de su efecto sobre los objetos, perfilando las sombras
Otro
hallazgo fue la introducción de la pintura sobre caballete.
