Repaso para el examen: Características de Manet, Cézanne y Van Gogh

Manet

1. Puente entre la tradición que representaba la pintura moderna heredada del Renacimiento y la ruptura que personifican los impresionistas. Inspirador de los impresionistas 
2. Actitud de ruptura de la tradición. En obras como Almuerzo sobre la Hierba u Olympia parte de modelos clásicos para desafiar principios de l a pintura tradicional como la proporción o la perspectiva. 
3. Aprendizaje autodidacta, copiando obras de los museos y haciendo su propia interpretación de la pintura tradicional. 
4. Importancia de la luz y del uso de la pincelada suelta. 
5. Intrascendencia de los temas representados. 
6. Influencia de Velazquez y Goya en sus cuadros, con una fuerte temática española. 
7. Practicó la pintura al aire libre, una de las novedades más importantes de la pintura del siglo XIX y que tuvo una importancia capital en el desarrollo del impresionismo. Además, fue un entusiasta admirador de los grabados japoneses. 
8. Sin embargo, al contrario que sus sucesores, los impresionistas, Manet intentó siempre ser un autor clásico y conseguir que sus cuadros fueran aceptados por la crítica, expuestos en galerías y sumados a las colecciones integrantes de los Museos. Intentó continuamente que sus obras accedieran al reputado Salón de París, pero sus obras fueron rechazadas por los jurados. 

Cézanne

1. Enorme influencia en la pintura posterior: Punto de partida del fauvismo, del cubismo y del expresionismo. 
2. Contrario a lo que pensaba Monet, para él lo importante no es la fugacidad sino lo estable en la naturaleza. 
3. Experimenta con el geometrismo. Práctica una simplificación y síntesis de la realidad, tanto de los paisajes como de las figuras. Cézanne reduce los elementos que aparecen en los cuadros y los reduce a formas puras (grandes cubos delimitados por superficies anchas) 
4. Cientificismo:se preocupa por el volumen y la forma, intenta reducir todas las figuras a conos, cilindros y esferas, anticipándose al cubismo. 
5. Búsqueda de la bidimensionalidad y ruptura con la tridimensionalidad domimante desde el Renacimiento 
6. Uso del color para delimitar las figuras. Los colores que utiliza son sobrios: ocres, grises, blancos y verdes. 
7. Al igual que Manet, aspiraba a ser considerado un artista clásico y a que su obra ocupara un lugar en las colecciones de los museos. 

Van Gogh

1. Comparte con Cézanne y Gauguin el hecho de ser uno de los pilares de la pintura del siglo XX. 
2. Precursor del expresionismo. Su obra transmite la angustia del ser humano en sus obras a partir de pinceladas largas e indefinidas, formas inestables,colores expresivos y composiciones muy originales. 
3. Uso de las pinceladas largas para dotar de movimiento y expresividad a los elementos del cuadro (ejemplo, las espirales del cielo en La Noche Estrellada)Empleo de trazos sinuosos. Apariencia de nerviosismo y movimiento en sus figuras. 
4. Tendencia a la abstracción de las figuras. 
5. Uso del cloissonismo, Técnica de delimitación de las figuras mediante contornos gruesos popularizada por Gauguin. 
6. Influencia de los impresionistas en el tratamiento de la luz y del color. 
7. Inicialmente, dibuja colores de gamas claras. Posteriormente, evoluciona a colores muy intensos. Eliminación del claroscuro 
8. Influencia en el fauvismo por su uso arbitrario e imaginativo del color como medio para reforzar la transmisión de sentimientos y emociones. 
9. Influjo de las estampas japonesas 
10. Enormemente prolífico: Se dedicó a la pintura entre 1880 y 1890, llegando a pintar unos 800 cuadros.       

Fauvismo

Contexto:

• El término “fauves”, fiera en francés, procede de la expresión de un crítico llamado Louis Vauxcelles, quien escribió una crítica llamada “Donatello entre fieras” refiriéndose al Salón de Otoño de 1905 en que se exponía la obra de Henri Matisse.
• El estilo se desarrolló entre 1904 y 1908. Su importancia radica en que constituye el primer movimiento revolucionario del siglo XX, aunque careció de manifiesto y de programa definido.
• Recibió la influencia del Impresionismo y, sobre todo, del postimpresionismo. Los antecedentes del Fauvismo fueron Cézanne, Van Gogh y Gauguin.
• La trascendencia del Fauvismo reside en que reinvindicaron la autonomía o independencia de la pintura frente a la realidad y la huida de la representación de la naturaleza como objetivo pictórico. En este sentido, son el primer eslabón de las vanguardias del siglo XX.

Características principales:

• El Fauvismo es una reacción contra el Impresionismo (movimiento caracterizado por la importancia de la luz). Los pintores fauvistas ensalzan la importancia del color que se convertirá en un vehículo para la expresión de emociones, sensaciones, etc.. 
• El color tendrá un uso arbitrario e imaginativo (rostros verdes, árboles rojos, mares amarillos..) por lo que no se corresponde con la realidad. Potenciaron el uso de colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Los colores debían ser estridentes, según Matisse.
• Renuncia al claroscuro, volumen, perspectiva, etc. El color resuelve los problemas de composición o iluminación.
• Junto al color, recuperan la importancia de la línea: los cuadros fauvistas se caracterizan por la utilización de contornos gruesos.
• La composición de las obras se  define por sintetización de los elementos que aparecen en ellas: reducción del numero de objetos representados, reducción de estos a lo esencial, etc.
• La pincelada es directa y gruesa, sin que existan mezclas de colores, “pintando directamente del tubo” (Vlaminck).
• Los temas preferidos de los fauvistas son similares a los frecuentados por los impresionistas:  retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes... 
• Al igual que los impresionistas popularizaron las estampas japonesas en Europa, los fauvistas hicieron lo mismo con otras obras artísticas de culturas ajenas , como las máscaras africanas.

Miembros del Grupo:

• Matisse, Henry (1869-1954) líder de los fauvistas, fiel al estilo toda su vida. Obtuvo el reconocimiento de coleccionistas y críticos y personificó el movimiento, de forma que sus cualidades como pintor constituyen las premisas del Fauvismo. Obsesionado con el color como elemento más importante de la pintura, intentó conjugarlo con la pureza de las líneas. Sus obras transmiten, además, un enorme optimismo artístico y vital. Obras principales: La Raya Verde, La Alegría de Vivir, La Danza, Mujer con Sombrero,etc.
• Derain, André (1880-1954): Influenciado por Cézanne, posteriormente evolucionó hacia el cubismo. Dentro de su etapa fauvista, destaca El Puente de Londres
• Vlaminck, Maurice (1876-1958):De su obra fauvista destaca Los Arboles Rojos (1906)

El Impresionismo. Características y principales autores

Monet, Impression, soleil levant.

Contexto: 

• Años 70 del siglo XIX, derrota de la Comuna de Paris y hegemonía de la burguesía industrial y financiera. 
• Avances culturales: multiplicación de la prensa ilustrada, proliferación de museos y galerías, popularización de la fotografía, difusión del "japonismo". 
• Avances técnicos: la extensión de la luz artificial (lamparas de gas, primero, de petroleo, después, y, finalmente, electricidad) enfatiza que la luz modifica las formas y que la percepción de la realidad depende de condiciones ambientales (la climatología, por ejemplo) muy variables.

Formación del Grupo y Miembros: 

• Escuela que se da en Francia.  
• Hacia 1862, jovenes como Claude Monet, Auguste Renoir o Alfred Sisley trabajan en torno a Edouard Manet y Camille Pisarro, los más veteranos. 
• Grupo consciente de su identidad: Reacción contra el academicismo y voluntad de romper con el arte oficial. 
• Constitución "oficial" del grupo después de la Comuna de París. Exposición colectiva en 1874. Participan Pisarro, Monet, Renoir, Degas, Berthe Morissot, Sisley, Cézanne y otros. 
• Resultado de la exposición: Escándalo y rechazo de críticos como Leroy. Nombre debido utilización imperativa por críticos del "Impression soleil levant" de Monet. 
• Reconocimiento hacia 1880 deshace el grupo que deja de ser "vanguardista". Neoimpresionismo a partir de 1880: Tolouse-Lautrec, Gauguin, Van Gogh. Cézanne, por su parte, mantiene relación en la década de los 70 con los impresionistas.

Catálogo de la exposición colectiva de 1874

Características técnicas:

• Principal objetivo: Captar el instante. Dado que la naturaleza es inestable, está siempre en movimiento y las formas y colores de los objetos no son constantes, ya que varían según el grado de luminosidad, tanto el objeto a representar como la impresión que produce en nosotros son irrepetibles. Esa impresión es la que debe captar el cuadro.
• Color y forma no son importantes:luz y sus efectos cambiantes, verdadero tema del cuadro. Coincidencia con fotógrafos en que cantidad y calidad de la luz es lo que determina percepción visual de un objeto. La desmaterialización o disolución de la forma por efecto de la luz es una de las consecuencias del impresionismo.
• Técnica basada en pinceladas cortas.
• Búsqueda de una pintura clara sin sombras negras, Manet o Pisarro suprimen el color negro porque afirman que no existe en la naturaleza. Utilizan combinaciones de colores claros y tonos más fríos para las sombras.
• Nueva concepción del Espacio: figuras no ocupan el "centro" y pueden estar cortadas por  los bordes del cuadro.
• Abandono del taller y pasión por la pintura al aire libre.
• Tema del cuadro es secundario. Recuperación de lo "banal" y lo insignificante, representación de la cotidianeidad. Representan paisajes, vistas urbanas, fiestas..Retrato de un mundo subjetivo y emocional, ausencia de ideología, hedonismo... 
• Serialismo: por ejemplo, las distintas versiones de la Catedral de Rouen de Monet.

Precedentes: 

• Velazquez, Goya, Delacroix, Turner, etc.
• Inspiración en leyes del color (investigaciones del físico Chevreul sobre colores complementarios..), fotografía, etc..

Herencia: 

• Nueva concepción del arte como investigación abierta, el proceso y el método son más importantes que el resultado. Concepción del cuadro como algo inacabado, obra abierta.
• Desmaterialización. Relegamiento de la pintura figurativa
• Nueva relación con el público. Pintura para minorías, vanguardia artística rechazada por críticos e instituciones oficiales y público.

Miembros del Grupo:

Monet, Claude (1840-1926): es el impresionista por excelencia, el impresionista puro, puesto que siempre se mantuvo fiel a los postulados del movimiento. 

Monet, Nenúfares

En 1858, viajó a París, dónde conoció a Pisarro, quien lo inició en la pintura al aire libre. En 1862 convivió en la Escuela de Bellas Artes con Renoir y Sisley. Estas amistades afianzaron el grupo que, entre 1872 y 1874, durante una estancia en Argenteuil (Francia), fijó las normas del Impresionismo. Después de la disolución del grupo, Monet seguiría fiel a los cánones del impresionismo. En su famosa casa de Giverny, dónde crearía un jardín de inspiración japonesa, Monet continuó con una carrera basada en la plasmación del paisaje al aire libre, la recreación de los efectos de la luz y de la atmósfera. Es el mejor representante del Serialismo.

Pisarro, Le Pont Royal et le Louvre

Pisarro, Camille (1830-1903): el el aglutinante del movimiento impresionista, ya que es el iniciador de los demás miembros del movimiento en la pintura al aire libre que tanto determinó al impresionismo. Su carrera tuvo diversas etapas: a partir de 1880, utilizará manchas pinceladas diagonales en forma de coma de color gris o terroso para crear efectos luminosos y entre 1886 y 1890, se acercará al Puntillismo. La obra de Pisarro se compone de paisajes rurales y urbanos, principalmente.

Sisley, Alfred (1839-1899): fue un inglés sin éxito en vida que pintó, únicamente, paisajes, muchos de ellos fluviales. Sus mejores etapas se desarrollan entre 1872 y 1876 y a partir de 1882.

Morissot, Berthe (1841-1899): Procedente de una familia burguesa y culta, estudió con Corot y participó en la Exposición de 1874. Muy influenciada por Renoir, destacó en la producción de retratos y escenas intimistas en interiores.

Morisot, Un día de verano

Cassat, Mary (1845-1926): De origen estadounidense, se afincó en París en 1882 y se unió al movimiento. Apoyada por Degas y Manet, fue una excelente dibujante y grabadora.

Renoir, Pierre-Auguste (1841-1919): Uno de los pintores más renombrados del movimiento. Tras la disolución de éste en 1880, Renoir se inclinó por la vuelta a una pintura más figurativa, volviendo a precisar los contornos de los personajes y a utilizar colores más fríos que los característicos en el Impresionismo.

Degas, Edgard (1843-1917): Fue un impresionista atípico, puesto que apenas pintó al aire libre ya que sus temas preferidos eran escenas de costumbres, retratos de personajes urbanos, etc.. Tenía una concepción de la pintura basada en el dibujo y en el movimiento. Su inclusión se debe al uso de la pincelada clara y de los colores puros. 

Renoir, Le Moulin de la Galette.

Examen de Fundamentos II

Os recuerdo que el examen de Fundamentos va a tener la siguiente estructura:

1ª  Desarrollo de uno de los siguientes temas (4 puntos):

• Manet
• El Impresionismo.
• El Postimpresionismo: Cézanne y Van Gogh
• El Fauvismo: Matisse

2ª Comparar dos obras de arte de la siguiente lista (4 puntos):

• Manet, El desayuno sobre la hierba
• Manet, Olympia
• Monet, Impression soleil levant
• Monet, Catedral de Rouan
• Pisarro, Los tejados rojos
• Cézanne, Los jugadores de cartas
• Cézanne, Las Bañistas
• Van Gogh, La noche estrellada
• Matisse, La alegría de vivir
• Matisse, La Danza

3ª Identificar (Nombre, Autor, Estilo, Cronología) una serie de imágenes. Estas podrán pertenecer a cualquiera de los estilos aquí enumerados: (2 puntos)

• Arquitectura Gótica y neomudejar
• Arquitectura del Hierro
• Impresionismo
• Post-Impresionismo
• Fauvismo

Escuelas Helenísticas y Roma. Imágenes

Las imágenes para el ejercicio de identificación de esta semana:

Alegoría del Nilo



Venus de Milo

Niño de la Oca

Gálata Moribundo

Relieves del Altar de Pérgamo

Victoria de Samotracia

Laocoonte y sus hijos

Plano de Pompeya

Foro de Roma

Puente de Alcántara

Acueducto de Segovia

Maison Carrée

Panteón (Exterior)

Panteón (Interior)

Panteón (Cúpula)

Teatro de Mérida

Coliseo (Exterior)

Coliseo (Interior)

Basilica de Majencio

Arco de Tito

Arco de Constantino

Columna Trajana

Estatua Barberini

Estatua de Lucio Junio Bruto

Augusto della Prima Porta

Estatua Ecuestre de Marco Aurelio

Retrato de Cómodo

Estatua de Constantino

Relieves del Arco de Tito

Relieves del Ara Pacis. Friso

Relieves de la Columna Trajana

Ara Pacis. Comentario

Relieves del Ara Pacis Augustae

Catalogación de la obra

• Escultura romana. Periodo imperial 
• Autor desconocido 
• Siglo I a.C.; 13-9 a.C. 
• Mármol blanco. 

Análisis técnico

• El Ara Pacis es un recinto rectangular, situado sobre un pedestal con una escalinata de acceso, sin techo y dos puertas, una al este y otra al oeste. En el interior se encontraba el Altar. Hoy en día, el Ara Pacis está cobijado dentro de un Museo. 
• El interior está decorado con relieves de guirnaldas y bucraneos (relieves decorativos con forma de cabeza de toro), símbolo de la prosperidad. 
• En los frisos exteriores, destaca el relieve que representa a Augusto encabezando una procesión que se dirige al templo, recurso copiado del Friso de las Panateneas en el Partenón. Este relieve es un destacado ejemplo del Relieve histórico-narrativo romano.
• El uso de la perspectiva es uno de los elementos naturalistas propios de la obra. El efecto de profundidad se consigue mediante la gradación del relieve de los personajes. Los principales aparecen en un primer plano, mientras que los personajes de rango inferior están esculpidos en un segundo plano. Los niños también aparecen en el primer plano de la composición.  

• Otra característica importante es la individualización de las principales figuras: la del Emperador Octavio Augusto, la de su esposa Livia y la de su sucesor, Tiberio. Esto recoge la tradición romana del retrato. No sólo la reproducción más o menos fidedigna de los rasgos faciales es un indicador de individualización. La diversidad en los gestos y en las posturas de las figuras también es una muestra de naturalismo y permite la representación del movimiento, dinamizando la composición. 
• El modelado de los pliegues de los paños es otra influencia significativa de la etapa clásica de la escultura griega. 

Análisis del contenido

• Situado originalmente en el Campo de Marte, el “Ara Pacis” fue un homenaje del Senado votado en el verano de 13 a.C. al emperador Augusto tras su regreso de sus campañas victoriosas en Hispania y la Galia. 
• En frisos laterales se encuentra el famoso relieve de la procesión, inspirado las Panateneas de Fidias. Muestra la procesión de la familia imperial, con el propio Augusto a la cabeza, su mujer Livia, su hija Julia, sus nietos, sus más cercanos colaboradores (Agripa y Mecenas) y otras personalidades (magistrados, senadores, sacerdotes, etc.) Es posible que el momento representado sea el de la toma de posesión en el 12 a.C. del cargo de Pontífice Máximo por Augusto tras producirse la muerte de Lépido.
• La escena principal combina los valores de respeto a la tradición, la familia y la religión que enarboló Augusto durante mandato como Princeps. Todo ello se anuda con la conmemoración de sus victorias en las provincias y el hecho de que, como vencedor de la guerra civil, consiguió presentarse ante el Senado y el pueblo romano como adalid de la paz y la estabilidad en Roma. 
• Otros relieves del Ara Pacis son la alegoría de Tellus, la diosa Tierra como madre nutricia, y el sacrificio de Eneas. El primero de ellos podría leerse como una alegoría, a su vez, de los años de gobierno de Augusto como años de fertilidad y prosperidad. El segundo nos remite al origen legendario de la familia Julia, descendiente del mismo Eneas, mítico fundador de Roma. 

Conclusión

• El Altar es una principales tipologías del monumento conmemorativo romano. Los monumentos serían el soporte perfecto para el desarrollo de un lenguaje escultórico típicamente romano, caracterizado por un logrado naturalismo y una función política y propagandística evidente. 
• En el caso de los relieves de la época de Augusto, estos combinan ese naturalismo de procedencia republicana con el idealismo clásico de la época de Fidias. Se ha comentado que la época de Augusto fue “clasicizante” en el sentido de que mezcló los aportes de la cultura griega considerada refinada con la tradición romana que el enarboló por motivos políticos. 
• En cualquier caso, los relieves del “Ara Pacis” destacan por constituir un punto de equilibrio (al igual que el Augusto della Prima Porta”) en la evolución de la escultura romana entre idealización y naturalismo. Su influencia técnica y temática fue muy importante, llegando hasta el Renacimiento, periodo en que se recuperaran las normas y lenguaje del relieve clásico 

De propina, una simulación que muestra el colorido original del Altar y un vídeo del proyecto LÁra coméra

Escultura Romana. Ejemplos del Retrato Imperial

Augusto della Prima Porta

Catalogación de la obra

• Escultura Romana. 
• Autor desconocido. 
• Copia de mármol. 14 d.C. De original del siglo I a.C 

Análisis técnico

• Escultura Exenta. Bulto redondo 
• Policromada (rojo y púrpura en los vestidos,etc.) 
• Fuentes: El Realismo fisonómico es de herencia etrusca (realismo del rostro); la idealización del personaje, influencia griega. La composición es heredera del Doríforo de Policleto tanto por el canon (siete cabezas), como por el contraposto. Si nos fijamos en la túnica, podremos establecer un paralelismo con las túnicas griegas. 

Análisis del contenido

• Augusto es retratado como Imperator Máximo arengando a los ejércitos. Es del tipo Thoracatus -tipo de retrato Imperial en el que el Emperador aparece vestido de militar, con coraza-. Lleva también el bastón de mando consular. En la mano tiene el palludamentum o manto propio del emperador. 
• La coraza está decorada con relieves: Aparecen, en la parte superior, Urano, Helios y Venus. En la parte central, se aprecian la restitución del águila romana robada por los partos y en los laterales, una alegoría de Hispania y Galia, provincias pacificadas por Augusto. También aparecen en la coraza, relieves de la loba capitolina, de Marte,dios de la guerra, de Eneas, padre protector de Roma y de Cúpido, hijo de Venus,que muestran la identificación de Augusto con los dioses de Roma como justificante de su propia divinización. 

• Los pies desnudos son otra indicación de la divinización del personaje. 
• Se cree que se trata de una obra conmemorativa, encargada por su esposa Livia tras el fallecimiento del emperador. 
• Autor desconocido. El anonimato artístico es una característica de la escultura romana. No se conoce el autor porque éste no es importante, ya que la función del arte no es innovar sino honrar al representado por motivos políticos o funerarios. 

Conclusión

• Ejemplo perfecto del retrato imperial, retrato con fines propagandísticos que supone una fase intermedia entre el retrato realista republicano y el retrato de la época tardoimperial (como el de Constantino) Mezcla aspectos realistas procedentes de la tradición republicana con el idealismo clásico propio del arte griego del siglo V a.C. 

Estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio

Catalogación de la obra

• Escultura romana. periodo imperial 
• Autor desconocido 
• Siglo II d.C.; 176 d.C. 
• Bronce. 4 m. de altura 
• El original se expone en el Museo Capitolino de Roma. 

Análisis técnico

• Tipología: retrato ecuestre 
• La composición es cerrada y equilibrada, con el Emperador formando un triángulo. 
• El caballo transmite dinamismo con una pata alzada, mientras que el resto cae sobre el suelo, equilibrando el conjunto. 

Análisis del contenido

• La escultura pretende no sólo idealizar al personaje retratado, sino también transmitir sus cualidades psicológicas. 
• El emperador lleva el manto propio del emperador (paludamentum) sobre la túnica. No lleva armas, ni coraza, ni armadura. Saluda a las tropas con el brazo derecho como Augusto en el Augusto della Prima Porta 
• Contraste entre la serenidad del rostro y la fuerza del caballo. La escultura representa la dualidad del carácter de Marco Aurelio como filosofo amante de la paz (escribió Tratados Filosóficos como las Meditaciones) y como imperator y guerrero victorioso. 

Conclusión

• Modelo para las futuras estatuas ecuestres, es la única que nos queda del imperio romano gracias a que fue confundido con el emperador Constantino y, por lo tanto, respetada por los cristianos. 
• Marco Aurelio fue el último de los llamados Emperadores Buenos. La obra es representativa de esta condición de filosofo estoico, buen gobernante e imperator victorioso. 
• La escultura ecuestre exalta la capacidad de mando del personaje retratado y, es, por tanto, una obra de propaganda política. Esta obra tendrá una influencia decisiva en los retratos ecuestres del Renacimiento, como el Gattamelata de Donatello.

Estatua de Constantino

El denominado Coloso de Constantino, era una estatua construida durante el primer tercio del siglo IV (se suele fechar entre el 312 y el 315 dC) que presidía la Basílica de Majencio.  Debía medir entre 6 y 10 metros de altura y estaba realizada con varios materiales. La cabeza y las extremidades eran de mármol, mientras que el tronco era de madera aunque estaba recubierto de bronce.

El Coloso es el mejor ejemplo de este retorno al hieratismo, a la ley de la frontalidad y a la geometrización del que hablamos en clase.