Escultura Románica y Gótica. Diferencias

Románico	Gótico
Carácter didáctico. Pretensión de trasladar el mensaje de la Iglesia a la sociedad urbana medieval.La función de la escultura es adoctrinar a la población ( analfabeta en su inmensa mayoría) y su contenido estaba dictado por las autoridades eclesiásticas.
Función decorativa. Escultura supeditada a la arquitectura.	Recuperación de la escultura como arte independiente de la arquitectura: recuperación de la noción de estatua.
Antinaturalismo. Preeminencia del espíritu y de la fe sobre la razón y lo sensible. A la Iglesia medieval no le interesaba la belleza física como a los griegos.Lo que le interesa es el mensaje. Búsqueda de un lenguaje que sea muy expresivo y que sea entendible por el espectador. Por ejemplo, no respetan las proporciones del cuerpo humano, sino que exageran el tamaño de las partes del cuerpo que expresan mejor las emociones (ojos, brazos...) Además, se basa en convenciones para que sea reconocible cada símbolo y desprecia, por tanto, la originalidad y la novedad. Hieratismo, frontalidad, simetría. Simbolismo. Los personajes son solemnes y tienen el gesto severo, sobre todo Cristo o la Virgen. Esto es una evidente influencia bizantina. El relieve románico es muy plano y carece de perspectiva (se utiliza la perspectiva jerárquica, por la cual el personaje más importante es de mayor tamaño) y de fondos arquitectónicos o paisajísticos, aunque a partir de la segunda mitad del siglo XII, adquiriendo mayor precisión en la representación de los pliegues de las ropas, la individualización de los rostros de los personajes, etc..	Naturalismo. Reivindicación de la experiencia sensible como vía de conocimiento gracias a la recuperación del aristotelismo por los dominicos de la Universidad de París (San Alberto Magno y Santo Tomás de Aquino) y a la difusión del humanismo y naturalismo de los franciscanos. El Naturalismo idealizado del Gótico recupera el estudio anatómico de los personajes. Las figuras recuperan volumen y corporeidad (a través de los ropajes) y movimiento y se persigue representar la expresión de los sentimientos en los rostros y actitudes de los personajes. La composición evoluciona hacia una mayor complejidad. Otra característica importante es el detallismo. Marcado carácter narrativo.
Los principales soportes para los relieves son los pórticos de las iglesias y los capiteles de las columnas. Las figuras se adaptarán al soporte (“Ley del Marco”), por lo que se alargan o deforman para ajustarse al espacio y a la forma del tímpano (semicircular) o del capitel (cúbica). Esto conlleva la geometrización de las figuras que, además, se alargan para cubrir todo el espacio disponible (“Horror Vacui”)	Desarrollo de tipologías nuevas como estatuas-columnas (invento francés), retablos, sepulcros, etc. El Retablo aparece en el Gótico. Se trata de un conjunto de tablas que combina escultura con pintura,dividido verticalmente en calles y horizontalmente en pisos. El Sepulcro adquiere gran importancia como muestra de prestigio social y de una nueva sensibilidad hacia la muerte.
Los temas de los Relieves son el retrato de figuras individuales o en grupo y, sobre todo, de escenas bíblicas con un claro sentido narrativo. Destaca entre ellas el tema del Juicio Final, muy popular en la época de las profecías milenaristas. En los Capiteles, destaca la utilización de temas alegóricos o históricos destinados a la formación de los monjes más jóvenes. Dentro de la Escultura Exenta, los temas más recurrentes son la representación del Cristo Crucificado como Cristo-Rey y el Theotocos (Virgen con el Niño sentado en su regazo) Estas esculturas -al igual que los relieves- se policromaban.	Aumento de las tipologías iconografícas; más complejidad y variedad: Se sigue representando el Juicio Final con el Cristo triunfante en su centro pero adquieren mucha importancia las escenas de la vida de Virgen, cuyo culto desarrolla la reforma cisterciense, y las estatuas en las jambas que representan a santos y profetas. En las arquivoltas se representan ángeles, santos y ancianos del Apocalipsis. En el parteluz suele ir la Virgen o un santo. Escultura Exenta: Humanización de Cristo gracias a la recuperación del Cristo Evangélico realizada por los Franciscanos. Se desarrolla el Cristo Crucificado sufriendo en la Cruz, con 3 clavos. La Virgen-Madre con el Niño en brazos en actitud afectuosa es otra tipología novedosa ; a partir del siglo XIII, aparece la Virgen de pié como tema.
Materiales más utilizados: Piedra, madera policromada, marfil.

Arquitectura Gótica Española. Catedrales. Ejemplos

Gótico Pleno en el Reino de Castilla y León

(Siglo XIII) El Gótico castellano se caracteriza por la enorme influencia de la arquitectura francesa por lo que asume todos sus principios: elevación, luminosidad y sus elementos: arco apuntado, bóvedas de crucería, etc. Las catedrales más destacadas son: 

Catedral de Tóledo. 1226. Sigue el esquema de Notre Dame: poco alta y muy ancha, planta de salón con cinco naves, doble girola, transepto sin sobresalir, capillas entre contrafuertes...

Catedral de Toledo

Catedral de Burgos. 1222-1260. Construida con participación del Maestro Enrique. Fachada Occidental en "H", obra de Juan de Colonia con dos torres de aguja calada, inspirada en Reims y Amiens. La fachada cuenta con tres niveles: 1º con portadas que hoy no existen; 2º presidido por un Rosetón; 3º destacan los arcos apuntados con tracerías T. Las torres y el cimborrio son más tardíos (XV y XVI).
La planta es de tres naves, con triforio, transepto sin sobresalir y de una sola nave y deambulatorio con cinco capillas hexagonales. 

Catedral de Burgos

Catedral de León. 1255-1302. Es la catedral más destacada del gótico castellano del siglo XIII. La pugna de León con Burgos por convertirse en la ciudad más destacada del Reino de Castilla produjo la contratación del Maestro Enrique. Juan Pérez dirigió la construcción a partir de 1277. Es un Iglesia de Peregrinación situada en el Camino de Santiago y posee uniformidad de estilo gracias a la rapidez de su construcción. Su fachada es del tipo de Chartres con dos torres con pináculos separadas del cuerpo principal. Éste está decorado con rosetón y gablete y tiene tres portadas.

Catedral de León. Fachada principal

La planta es de tres naves, con un transepto de tres naves), ábside y deambulatorio con cinco capillas radiales. La nave central tiene seis tramos (Reims, por ejemplo, tenía nueve) De ahí, que podamos hablar de macrocefalia al resaltar la cabecera dada la cortedad de la nave.

Catedral de León. Bóveda de la Nave Principal

La nave central es mucho más alta. Las naves están cubiertas por Bóvedas de Crucería cuyos nervios bajan adosados (baquetones) hasta la base de los pilares (pilares fasciculados con base poligonal o cilíndrica) El alzado interior de la Iglesia consta de las arcadas de medio punto, del triforio y de un claristorio con ventanales.
En el exterior, los contrafuertes y arbotantes soportan el peso y permiten la liviandad del muro. Alberga la vidriera más destacada del Gótico: 230 ventanales decoradas con imágenes de la vida de los Santos

Catedral de León. Vidriera

Arquitectura de la Corona de Aragón. 

2ª Mitad XIV-1ª Mitad XV. Se caracteriza por la influencia del Gótico Meridional: 

• Horizontalidad 
• Preferencia por una única nave y escasa diferencia de altura entre las naves cuando hay varias 
• Ausencia de decoración en los muros 
• Capillas entre los contrafuertes 

Las catedrales más destacadas son: 

Catedral de Girona. Obra de Guillem Bofill. Tiene una cabecera de 3 naves construida en 1347 y un cuerpo central compuesto por una única nave (la más grande del Gótico: 50 m. largo x 23 ancho x 34 alto), modificandose el plan inicial de tres naves para proporcionar más iluminación al templo. La cabecera está separada del presbiterio por un muro con un arco central y dos laterales y rosetones.

Catedral de Girona

Catedral de Palma de Mallorca. 1229-1346. Obra de Jaime Fabre. Tiene planta basilical de 3 naves, la central muy alta (42 m.), sin transepto ni girola. Tiene un rosetón en el muro del Altar Mayor en vez de en los pies. En el exterior tiene un aspecto imponente por sus altísimos contrafuertes, con capillas entre ellos, y la doble hilera de arbotantes.

Catedral de Palma de Mallorca

Santa María del Mar (Barcelona). 1328-1383. Conocida como la "Catedral del Mar" financiada por el pueblo de Barcelona. Tiene planta de salón, con tres naves de altura similar, sin transepto. Destacan la Bóveda de Crucería sobre 8 pilares, y el presbiterio semicircular sobre 8 pilares. Cuenta con escasa decoración en los muros, y sus contrafuertes son exentos y sin arbotantes.

Santa María del Mar. Barcelona

Tardogótico en España.

Se desarrolla durante los siglos XV y XVI, por lo que contaba con la influencia del Mudejar y del Renacimiento . Fue el estilo "oficial" de los Reyes Católicos. Destacan: 

Catedral de Sevilla. 1402-1506. 

Catedral Nueva de Salamanca. 1513.

Características del Arte Islámico en la Península Ibérica

Arte califal o Cordobés

Para esta etapa del arte andalusí son aplicables las características que vimos en clase del arte islámico. No hay que olvidar, sin embargo, añadir la importancia del arco de herradura como elemento arquitectónico importado del arte visigodo.

Como ejemplos de esta etapa del arte andalusí señalemos a la Mezquita de Córdoba, aquí descrita, y a Medina Azahara.

Arte Nazarí

Las características más señalables son:

1. La mayor importancia de la arquitectura civil respecto al arte califal o al almohade
2. El uso de materiales pobres: yeso, ladrillo, argamasa (mezcla de cal, arena y agua), madera, cerámica (para el alicatado de paredes). También usan el mármol en suelos y columnas.
3. La integración de la naturaleza en la arquitectura. El uso del agua y la construcción de jardines (que representan al Paraíso en la Tierra) son ejemplos de ello. Es la característica más aplicable a la Alhambra.
4. La abundante decoración interior (yesería, alicatados, etc.) Es muy significativa la decoración epigráfica en la Alhambra

Tareas Fundamentos de Arte

1. Esta tarea es similar a la que os propuse en el primer trimestre con Goya como protagonista. En esta ocasión, quiero que busquéis una obra artística (de la disciplina, soporte, género, etc., que prefiráis) inspirada en alguna creación de Gaudí y posterior a él, claro. Debéis describir bien ambas obras y justificar la relación que percibáis entre ellas. Os permito que, si tenéis problemas para encontrarla, sustituyáis a Gaudí por otro artista, obra o movimiento que hayamos visto en clase.
2. La segunda es voluntaria. Se trata de que busquéis información sobre el movimiento "Arts&Crafts" y su lider, William Morris, y hagáis lo mismo que antes: encontrar influencias en las artes del siglo XX.

Tanto una como la otra, deberán entregarse antes del día 15 de Marzo.

Repaso para el examen: Características de Manet, Cézanne y Van Gogh

Manet

1. Puente entre la tradición que representaba la pintura moderna heredada del Renacimiento y la ruptura que personifican los impresionistas. Inspirador de los impresionistas 
2. Actitud de ruptura de la tradición. En obras como Almuerzo sobre la Hierba u Olympia parte de modelos clásicos para desafiar principios de l a pintura tradicional como la proporción o la perspectiva. 
3. Aprendizaje autodidacta, copiando obras de los museos y haciendo su propia interpretación de la pintura tradicional. 
4. Importancia de la luz y del uso de la pincelada suelta. 
5. Intrascendencia de los temas representados. 
6. Influencia de Velazquez y Goya en sus cuadros, con una fuerte temática española. 
7. Practicó la pintura al aire libre, una de las novedades más importantes de la pintura del siglo XIX y que tuvo una importancia capital en el desarrollo del impresionismo. Además, fue un entusiasta admirador de los grabados japoneses. 
8. Sin embargo, al contrario que sus sucesores, los impresionistas, Manet intentó siempre ser un autor clásico y conseguir que sus cuadros fueran aceptados por la crítica, expuestos en galerías y sumados a las colecciones integrantes de los Museos. Intentó continuamente que sus obras accedieran al reputado Salón de París, pero sus obras fueron rechazadas por los jurados. 

Cézanne

1. Enorme influencia en la pintura posterior: Punto de partida del fauvismo, del cubismo y del expresionismo. 
2. Contrario a lo que pensaba Monet, para él lo importante no es la fugacidad sino lo estable en la naturaleza. 
3. Experimenta con el geometrismo. Práctica una simplificación y síntesis de la realidad, tanto de los paisajes como de las figuras. Cézanne reduce los elementos que aparecen en los cuadros y los reduce a formas puras (grandes cubos delimitados por superficies anchas) 
4. Cientificismo:se preocupa por el volumen y la forma, intenta reducir todas las figuras a conos, cilindros y esferas, anticipándose al cubismo. 
5. Búsqueda de la bidimensionalidad y ruptura con la tridimensionalidad domimante desde el Renacimiento 
6. Uso del color para delimitar las figuras. Los colores que utiliza son sobrios: ocres, grises, blancos y verdes. 
7. Al igual que Manet, aspiraba a ser considerado un artista clásico y a que su obra ocupara un lugar en las colecciones de los museos. 

Van Gogh

1. Comparte con Cézanne y Gauguin el hecho de ser uno de los pilares de la pintura del siglo XX. 
2. Precursor del expresionismo. Su obra transmite la angustia del ser humano en sus obras a partir de pinceladas largas e indefinidas, formas inestables,colores expresivos y composiciones muy originales. 
3. Uso de las pinceladas largas para dotar de movimiento y expresividad a los elementos del cuadro (ejemplo, las espirales del cielo en La Noche Estrellada)Empleo de trazos sinuosos. Apariencia de nerviosismo y movimiento en sus figuras. 
4. Tendencia a la abstracción de las figuras. 
5. Uso del cloissonismo, Técnica de delimitación de las figuras mediante contornos gruesos popularizada por Gauguin. 
6. Influencia de los impresionistas en el tratamiento de la luz y del color. 
7. Inicialmente, dibuja colores de gamas claras. Posteriormente, evoluciona a colores muy intensos. Eliminación del claroscuro 
8. Influencia en el fauvismo por su uso arbitrario e imaginativo del color como medio para reforzar la transmisión de sentimientos y emociones. 
9. Influjo de las estampas japonesas 
10. Enormemente prolífico: Se dedicó a la pintura entre 1880 y 1890, llegando a pintar unos 800 cuadros.       

Fauvismo

Contexto:

• El término “fauves”, fiera en francés, procede de la expresión de un crítico llamado Louis Vauxcelles, quien escribió una crítica llamada “Donatello entre fieras” refiriéndose al Salón de Otoño de 1905 en que se exponía la obra de Henri Matisse.
• El estilo se desarrolló entre 1904 y 1908. Su importancia radica en que constituye el primer movimiento revolucionario del siglo XX, aunque careció de manifiesto y de programa definido.
• Recibió la influencia del Impresionismo y, sobre todo, del postimpresionismo. Los antecedentes del Fauvismo fueron Cézanne, Van Gogh y Gauguin.
• La trascendencia del Fauvismo reside en que reinvindicaron la autonomía o independencia de la pintura frente a la realidad y la huida de la representación de la naturaleza como objetivo pictórico. En este sentido, son el primer eslabón de las vanguardias del siglo XX.

Características principales:

• El Fauvismo es una reacción contra el Impresionismo (movimiento caracterizado por la importancia de la luz). Los pintores fauvistas ensalzan la importancia del color que se convertirá en un vehículo para la expresión de emociones, sensaciones, etc.. 
• El color tendrá un uso arbitrario e imaginativo (rostros verdes, árboles rojos, mares amarillos..) por lo que no se corresponde con la realidad. Potenciaron el uso de colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Los colores debían ser estridentes, según Matisse.
• Renuncia al claroscuro, volumen, perspectiva, etc. El color resuelve los problemas de composición o iluminación.
• Junto al color, recuperan la importancia de la línea: los cuadros fauvistas se caracterizan por la utilización de contornos gruesos.
• La composición de las obras se  define por sintetización de los elementos que aparecen en ellas: reducción del numero de objetos representados, reducción de estos a lo esencial, etc.
• La pincelada es directa y gruesa, sin que existan mezclas de colores, “pintando directamente del tubo” (Vlaminck).
• Los temas preferidos de los fauvistas son similares a los frecuentados por los impresionistas:  retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes... 
• Al igual que los impresionistas popularizaron las estampas japonesas en Europa, los fauvistas hicieron lo mismo con otras obras artísticas de culturas ajenas , como las máscaras africanas.

Miembros del Grupo:

• Matisse, Henry (1869-1954) líder de los fauvistas, fiel al estilo toda su vida. Obtuvo el reconocimiento de coleccionistas y críticos y personificó el movimiento, de forma que sus cualidades como pintor constituyen las premisas del Fauvismo. Obsesionado con el color como elemento más importante de la pintura, intentó conjugarlo con la pureza de las líneas. Sus obras transmiten, además, un enorme optimismo artístico y vital. Obras principales: La Raya Verde, La Alegría de Vivir, La Danza, Mujer con Sombrero,etc.
• Derain, André (1880-1954): Influenciado por Cézanne, posteriormente evolucionó hacia el cubismo. Dentro de su etapa fauvista, destaca El Puente de Londres
• Vlaminck, Maurice (1876-1958):De su obra fauvista destaca Los Arboles Rojos (1906)

El Impresionismo. Características y principales autores

Monet, Impression, soleil levant.

Contexto: 

• Años 70 del siglo XIX, derrota de la Comuna de Paris y hegemonía de la burguesía industrial y financiera. 
• Avances culturales: multiplicación de la prensa ilustrada, proliferación de museos y galerías, popularización de la fotografía, difusión del "japonismo". 
• Avances técnicos: la extensión de la luz artificial (lamparas de gas, primero, de petroleo, después, y, finalmente, electricidad) enfatiza que la luz modifica las formas y que la percepción de la realidad depende de condiciones ambientales (la climatología, por ejemplo) muy variables.

Formación del Grupo y Miembros: 

• Escuela que se da en Francia.  
• Hacia 1862, jovenes como Claude Monet, Auguste Renoir o Alfred Sisley trabajan en torno a Edouard Manet y Camille Pisarro, los más veteranos. 
• Grupo consciente de su identidad: Reacción contra el academicismo y voluntad de romper con el arte oficial. 
• Constitución "oficial" del grupo después de la Comuna de París. Exposición colectiva en 1874. Participan Pisarro, Monet, Renoir, Degas, Berthe Morissot, Sisley, Cézanne y otros. 
• Resultado de la exposición: Escándalo y rechazo de críticos como Leroy. Nombre debido utilización imperativa por críticos del "Impression soleil levant" de Monet. 
• Reconocimiento hacia 1880 deshace el grupo que deja de ser "vanguardista". Neoimpresionismo a partir de 1880: Tolouse-Lautrec, Gauguin, Van Gogh. Cézanne, por su parte, mantiene relación en la década de los 70 con los impresionistas.

Catálogo de la exposición colectiva de 1874

Características técnicas:

• Principal objetivo: Captar el instante. Dado que la naturaleza es inestable, está siempre en movimiento y las formas y colores de los objetos no son constantes, ya que varían según el grado de luminosidad, tanto el objeto a representar como la impresión que produce en nosotros son irrepetibles. Esa impresión es la que debe captar el cuadro.
• Color y forma no son importantes:luz y sus efectos cambiantes, verdadero tema del cuadro. Coincidencia con fotógrafos en que cantidad y calidad de la luz es lo que determina percepción visual de un objeto. La desmaterialización o disolución de la forma por efecto de la luz es una de las consecuencias del impresionismo.
• Técnica basada en pinceladas cortas.
• Búsqueda de una pintura clara sin sombras negras, Manet o Pisarro suprimen el color negro porque afirman que no existe en la naturaleza. Utilizan combinaciones de colores claros y tonos más fríos para las sombras.
• Nueva concepción del Espacio: figuras no ocupan el "centro" y pueden estar cortadas por  los bordes del cuadro.
• Abandono del taller y pasión por la pintura al aire libre.
• Tema del cuadro es secundario. Recuperación de lo "banal" y lo insignificante, representación de la cotidianeidad. Representan paisajes, vistas urbanas, fiestas..Retrato de un mundo subjetivo y emocional, ausencia de ideología, hedonismo... 
• Serialismo: por ejemplo, las distintas versiones de la Catedral de Rouen de Monet.

Precedentes: 

• Velazquez, Goya, Delacroix, Turner, etc.
• Inspiración en leyes del color (investigaciones del físico Chevreul sobre colores complementarios..), fotografía, etc..

Herencia: 

• Nueva concepción del arte como investigación abierta, el proceso y el método son más importantes que el resultado. Concepción del cuadro como algo inacabado, obra abierta.
• Desmaterialización. Relegamiento de la pintura figurativa
• Nueva relación con el público. Pintura para minorías, vanguardia artística rechazada por críticos e instituciones oficiales y público.

Miembros del Grupo:

Monet, Claude (1840-1926): es el impresionista por excelencia, el impresionista puro, puesto que siempre se mantuvo fiel a los postulados del movimiento. 

Monet, Nenúfares

En 1858, viajó a París, dónde conoció a Pisarro, quien lo inició en la pintura al aire libre. En 1862 convivió en la Escuela de Bellas Artes con Renoir y Sisley. Estas amistades afianzaron el grupo que, entre 1872 y 1874, durante una estancia en Argenteuil (Francia), fijó las normas del Impresionismo. Después de la disolución del grupo, Monet seguiría fiel a los cánones del impresionismo. En su famosa casa de Giverny, dónde crearía un jardín de inspiración japonesa, Monet continuó con una carrera basada en la plasmación del paisaje al aire libre, la recreación de los efectos de la luz y de la atmósfera. Es el mejor representante del Serialismo.

Pisarro, Le Pont Royal et le Louvre

Pisarro, Camille (1830-1903): el el aglutinante del movimiento impresionista, ya que es el iniciador de los demás miembros del movimiento en la pintura al aire libre que tanto determinó al impresionismo. Su carrera tuvo diversas etapas: a partir de 1880, utilizará manchas pinceladas diagonales en forma de coma de color gris o terroso para crear efectos luminosos y entre 1886 y 1890, se acercará al Puntillismo. La obra de Pisarro se compone de paisajes rurales y urbanos, principalmente.

Sisley, Alfred (1839-1899): fue un inglés sin éxito en vida que pintó, únicamente, paisajes, muchos de ellos fluviales. Sus mejores etapas se desarrollan entre 1872 y 1876 y a partir de 1882.

Morissot, Berthe (1841-1899): Procedente de una familia burguesa y culta, estudió con Corot y participó en la Exposición de 1874. Muy influenciada por Renoir, destacó en la producción de retratos y escenas intimistas en interiores.

Morisot, Un día de verano

Cassat, Mary (1845-1926): De origen estadounidense, se afincó en París en 1882 y se unió al movimiento. Apoyada por Degas y Manet, fue una excelente dibujante y grabadora.

Renoir, Pierre-Auguste (1841-1919): Uno de los pintores más renombrados del movimiento. Tras la disolución de éste en 1880, Renoir se inclinó por la vuelta a una pintura más figurativa, volviendo a precisar los contornos de los personajes y a utilizar colores más fríos que los característicos en el Impresionismo.

Degas, Edgard (1843-1917): Fue un impresionista atípico, puesto que apenas pintó al aire libre ya que sus temas preferidos eran escenas de costumbres, retratos de personajes urbanos, etc.. Tenía una concepción de la pintura basada en el dibujo y en el movimiento. Su inclusión se debe al uso de la pincelada clara y de los colores puros. 

Renoir, Le Moulin de la Galette.